Nuevo Disco de Colplay, se espera para el mes de mayo

Ghost stories es el título del sexto disco de Coldplay. Como primer single Magic, con un videoclip dirigido por Jonas Akerlund (fotógrafo, director de videoclips), y en el que participa la actriz china Zhang Ziyi.

Como primer adelanto una canción titulada Midnight, producida por Jon Hopkins. Con un oscuro videoclip dirigido por Mary Wigmore.

El segundo single oficial es A sky full of stars.

El grupo trabajó por primera vez con Paul Epworth (Adele, Paul McCartney, Friendly Fires, Bruno Mars, Florence + The Machine), y con habituales como Jon Hopkins, Rik Simpson y Dan Green.

Fuente: La Higuera

Nuevo disco de Shakira

Shakira, la mas grande artista latina , regresa con un gran disco al que llama simplemente «SHAKIRA».
«Can’t Remember To Forget You» con Rihanna y su versión en español «Nunca me acuerdo de olvidarte» lideran desde su lanzamiento el puesto #1 de los charts de radios. Este primer single es una pequeña muestra de cuanto nos sorprenderá este nuevo trabajo discográfico de Shakira.

En este nuevo disco Shakira colabora y escribe varias de las canciones que lo componen, canciones en ingles algunas y otras en español, pero ante todo canciones con el sello SHAKIRA.

Para grabar este album de estudio Shakira trabajò junto a una impresionante lista de colaboradores de lujo incluyendo a John Hill (Santigold, Jay Z, The Vaccines), Kid Harpoon (Florence + The Machine, Calvin Harris), Greg Kurstin (P!nk, Kelly Clarkson, Katy Perry), Steve Mac (Kelly Clarkson, One Direction).

Sin duda este disco es uno de los lanzamientos discográficos más esperados del año, y sin duda será uno de los más elogiados y premiados por la industria discográfica.

Fuente: Sony Music

Red Hot Chilli Peppers como método de tortura

Documentos desclasificados de la CIA confirman que sonaban sus canciones en la cárcel de Guantánamo.

Un detenido esposado. Con los ojos bendados y auriculares puestos. Suena a todo volúmen, todo el tiempo, «Cant Stop» o «Californication», dos canciones de lás más hiteras de los Red Hot Chili Peppers del disco que los volvió a posicionar en escena con el regreso de John Frusciante en las guitarras: Californication (1998).

Para un fanático del grupo esto puede ser una situación ideal, pero para los detenidos y torturados de Guantánamo, la reproducción de música en altos decibeles es una de las peores tácticas de tortura.

Utilizada en la cárcel al sudeste de Cuba durante la presidencia de George W. Bush, la táctica consistía en ponen auriculares con la misma canción durante horas, generando un bombardeo sonoro y desequilibrando la psiquis del detenido. Muchos de los expresos aseguraron que de todas las torturas, esta la peor.

La (CIA) reveló que la música de Red Hot Chili Peppers se utilizaba en la prisión de Guantánamo para torturar a prisioneros. Oficiales estadounidenses confirmaron anónimante que aplicaron esta práctica a Al Jazeera, e incluso detallaronque un prisionero llamado Zayn al-Abidin Muhammad Husayn Abu Zubaydah, fue confinado a una habitación absolutamente a oscuras, donde fue obligado a escuchar a la banda californiana repetidamente entre mayo y julio de 2002.

The Daily Mail incluso concreta que algunas de las canciones de la banda utilizadas para obtener información de los detenidos fueron «Californication» y «Can’t Stop». La música de RHCP no habría sido la única utilizada por los oficiales estadounidenses para estas prácticas, pues en el pasado también se han conocido casos de bandas como Metallica, Rage Against the Machine, David Gray o Skinny Puppy.

Fuente: TN

Se cumplen 44 años de la separación de los Beatles

El 10 de abril de 1970 Paul McCartney comunicó el final de su participación en la exitosa banda.

Un día muy especial para los fanáticos de los Beatles. En un comunicado, Paul McCartney le informaba al mundo que la banda se terminaba. Algunos lo tomaron como una broma, otros se preocuparon. El grupo ya no era lo mismo, distintos intereses llevaron al final.

Por esos días, Paul se preparaba para la salida de su primer disco solista. En una entrevista, el músico destacó: “No había manera de que los cuatro integrantes pudiéramos continuar, y esa fue quizás la peor y más difícil decisión de mi vida, pensaba quiero a estas personas, pero tengo que salirme de esto”.

La relación dentro de la banda no venía para nada bien. A comienzos de 1970, McCartney, George Harrison y Ringo Starr se reunieron brevemente para completar las grabaciones para el disco Let It Be.

También, el lanzamiento del álbum McCartney fue programado para el 17 de abril, pero los otros Beatles y Apple se dieron cuenta que la fecha de lanzamiento del álbum podría entrar en conflicto con la salida del último disco de los Beatles y su película. Ringo Starr trató de convencer a Paul para que demorara la salida de su disco pero fue imposible.

En una década, los Beatles lograron conquistar al mundo con sus canciones, fueron la voz de una generación que buscaba un cambio e innovadores dentro del plano musical y social.

Fuente: TN

De qué está hecho el revival del vinilo

Si bien tiene un impacto menor en los números de la industria, el consumo de discos analógicos -con precios cada vez más altos- es un fenómeno sostenido en el deseo de una experiencia musical sólida en un mundo virtual

Un disco de vinilo es frágil, caro, difícil de obtener y su portabilidad es igual a cero. Un archivo digital, en cambio, es imperecedero, está siempre disponible, es barato (cuando no gratis), para obtenerlo sólo hay que conectarse a Internet y los dispositivos para reproducirlo son accesibles y 100% móviles. Sin embargo, lo más insólito es que, si imagináramos una batalla actual entre estos dos oponentes tan desparejos, a su modo el vinilo estaría ganando.

En el mercado norteamericano, en el año 2013, la venta de música digital cayó, en promedio, un 8,4%. La caída fue liderada por la venta de CDs que se redujo un 14,5% en relación al año anterior. Esto está lejos de ser una novedad: desde 2006 cada nuevo año se venden menos CDs. La tendencia se debe, en gran parte, a las copias y las descargas ilegales de MP3, pero también a que los formatos digitales compiten entre sí: los servicios de venta de discos virtuales como iTunes le roban compradores al CD, mientras que los sistemas de streaming como Pandora o Spotify le quitan clientes a iTunes (por esta razón Apple lanzó iTunes radio). En este escenario, en el mismo período, las ventas de vinilos subieron un asombroso 35%.

Sin embargo, parafraseando a Mark Twain, hay que decir que las noticias acerca de la resurrección del vinilo han sido exageradas. Es cierto que, presentadas de este modo, las cifras impactan, por eso en la actualidad casi todas las discográficas, incluidas varias argentinas como Sony o DBN, volvieron a editar discos de vinilo, pero cuando se comparan los números concretos queda claro que el vinilo no va a salvar a la industria. En Estados Unidos, durante 2013, se vendieron 165 millones de CDs (57% del total de ventas de discos), 118 millones de álbumes virtuales (41% del total) y 6 millones de vinilos (apenas un 2% del total). La diferencia del vinilo frente a sus rivales es que su estrella está en ascenso: las ventas vienen subiendo de modo sostenido y acumulan un crecimiento del 250% en la última década. Las cifras de crecimiento son tan grandes porque los números de partida son minúsculos. Nadie espera que la caída en las ventas de CDs o de álbumes digitales se vuelque masivamente al vinilo. Seguramente los compradores irán migrando a los nuevos formatos que surjan. En 2013 se vendieron 20 millones de álbumes menos (en formatos digitales), pero la venta de vinilos sólo aumento 1.5 millones. La mayor parte de la gente que dejó de comprar discos ese año fue capturada por los servicios de streaming. Sin embargo, ese crecimiento de un formato tan antiguo y con tantas limitaciones frente a la caída de casi todos lo demás no deja de ser asombroso. ¿Cómo se explica?

El archivo infinito
Es cierto: nunca hubo tantas opciones para escuchar música como en la actualidad; sin embargo, estas nuevas formas son cada vez más efímeras. El disco analógico reinó sin demasiados rivales por 80 años, hasta que fue herido por la llegada del casete y decretado muerto por el CD. El CD nació en 1982 y tres décadas después ya estaba en franca retirada. El MP3 apareció masivamente a finales de los 90 y con poco más de 15 años de vida es puesto en jaque por el streaming. Todos estos datos pueden ser apenas una curiosidad estadística para quien no vive de vender discos. ¿Qué importa si se escucha una canción en una Technics 1200 o en un iPhone? Lo importante es la canción, ¿no? Sin embargo, pareciera que el formato dominante tiene algún efecto sobre nuestra respuesta emocional a las canciones.

Hace casi tres décadas, el filósofo Slavoj Zizek escribió que su compulsión de grabar cientos de películas en (los entonces novedosos) videocasetes hacía que no tuviera que verlas: le alcanzaba con saber que estaban ahí y que podía abocarse a ellas en cualquier otro momento. El resultado del trabajo de grabar cada vez más películas era que veía muchas menos. Este reemplazo de la experiencia por la acumulación se incrementó en varios órdenes de magnitud en la era digital. Como lo que se puede consumir no termina nunca y cada vez se ofrecen más y mejores maneras de hacerlo, la experiencia que promete cada producto suele quedar postergada. La interactividad infinita que promovió en sus inicios la era virtual se volvió interpasividad.

El resultado de esto, en relación con la música, es que bajamos 20 discos en una semana y lo más probable es que escuchemos apenas un par y del resto sólo repasamos los primeros diez o quince segundos de algunos tracks: si ahí no aparece nada que nos atrape inmediatamente, el disco quedará en el rígido hasta que haya que hacer espacio. Nuestro grado de vínculo y compromiso con un MP3 es nulo. Nadie siente que si se baja un MP3 tiene necesariamente que dedicarle un tiempo para escucharlo. El que nos genera un stream musical es todavía menor. ¿Como vincularse emocionalmente con un formato que casi no tiene historia, ni mitología, que no se puede ver ni tocar? La velocidad con la que los formatos quedan perimidos también acelera nuestro desinterés por su contenido. La accesibilidad del álbum digital nos convirtió en víctimas de una especie de síndrome de Diógenes musical: queremos acumular todos los MP3 que podamos, aunque no sepamos bien para qué. Un disco de vinilo, con todas sus «desventajas» (o quizás por ellas), parece tener la capacidad de reconstruir el arrebato que nos solía provocar una canción: nos ofrece un vínculo sólido con una experiencia en un mundo de relaciones virtuales.

El comportamiento más notorio de la tecnología de consumo masivo en lo que va del siglo XXI es su tendencia a la desmaterialización. Los dispositivos tienden a ser cada vez más móviles, más livianos, más delgados, más invisibles y nos conectan con un mundo incorpóreo, virtual: las diferencias entre hardware y software se desvanecen. El atributo correlativo de lo etéreo es la ubicuidad: aquello que no tiene cuerpo puede estar en cualquier parte. Y de esto se trata la descorporización de la tecnología: alcanzar la máxima portabilidad de todo para reducir al mínimo la demora en la satisfacción de lo que queremos. Gracias a un pequeño aparato que nos conecta con la zona fantasma a la que mandamos las cosas (libros, películas, canciones, fotos, dinero, datos privados y buena parte de nuestras relaciones interpersonales), siempre podemos llevar todo encima. Tratamos de convencernos de que cargar con un gigantesco museo flotante que atesora todos los contenidos que vamos acumulando nos hace más móviles, más libres, más independientes. Desde luego, el efecto real es el opuesto: el museo debe ser actualizado todo el tiempo, a expensas de crear necesidades que antes no existían.

En este contexto de deseo manufacturado y colmado inmediatamente para crear uno nuevo, consumir un disco de vinilo es casi un acto de resistencia. No en el sentido de que no sea un consumo superfluo, sino en que el disco de vinilo parece reponer una experiencia que los consumos virtuales no paran de adelgazar. El crítico literario Walter Benjamin detectó, a principios del siglo XX, el modo en que las vivencias efímeras y la reproducción masiva conspiraban para destruir la experiencia real. ¿Qué decir, entonces, de la reproducción infinita y siempre fugaz que caracteriza a la era digital?

Un disco de vinilo, un LP como solían llamarse hace algunos años, es todo lo que un MP3 no es. Un LP es sólido, grande, pesado: no se pueden llevar 500 de un lado a otro. El LP requiere que se le dediquen cuidado y un espacio propio: si bien se puede hacer otra cosa mientras se escucha un vinilo, no se puede ir al gimnasio, andar en colectivo o salir a correr: casi siempre un vinilo demanda atención. Todas estas características, que en el momento del nacimiento del CD fueron vistas como un problema, hoy son los rasgos que le dan densidad a la experiencia de escuchar música en un disco de verdad.

Con un LP la experiencia no termina en la música: empieza ahí. Un disco se escucha pero también se mira y se lee: tiene un arte de tapa y un sobre interno con textos de todo tipo (letras, citas, escritos de los músicos…). Y hay una dimensión clave de la experiencia que ofrece el LP: salir a buscar vinilos es una aventura. Sólo una ínfima parte de los 80 años de historia que tiene la música analógica fue transferida a digital. ¿Quién sabe qué discos hay ahí fuera esperando ser encontrados, qué obras maestras olvidadas, qué canciones maravillosas, qué álbumes nunca reconocidos aguardan ser rescatados en el limbo de una feria americana, un sótano o la caja de un vendedor de un parque?

Un problema del revival del vinilo es que el precio superaccesible al que habían llegado en los 90 ya no existe más: un poco por la oferta y demanda, y mucho por la necesidad genética de la humanidad de separar a los ilusos de su dinero, hoy mucha gente cree erradamente que sus maltratados discos de Julio Iglesias y ABBA valen cientos de pesos. Este es el lado oscuro del renacimiento del LP: contrariamente a lo que sucedió durante los últimos 20 años, recientemente el vinilo se volvió un consumo de elite. A fines de los 80 eran más baratos que los nuevos CD (y luego fueron mucho más baratos), pero hoy un vinilo nuevo es hasta cuatro veces más caro que su par en CD. (Una edición «original» y, en consecuencia, «de colección» puede costar miles de pesos, pero ese es un problema de los coleccionistas.) Un vinilo nuevo no es un ítem de colección pero las discográficas pretenden que sí y, como tal, lo vuelven «exclusivo». Pretenden que sea un consumo aspiracional que otorgue credecial del hipster. Tal vez tengan razón y la inaccesibilidad económica también sea parte de su atractivo.

Como nadie quiere ser tildado de frívolo, el argumento más habitual para explicar el renacimiento del vinilo es que suena mejor. Hay muchas razones para suponer, sin embargo, que el audio digital es más fiel a su fuente. Sin entrar en cuestiones técnicas (como el mayor rango dinámico, la ausencia de fricción y el desgaste entre los materiales, entre otras), hay un argumento bastante obvio contra el disco analógico y es que se trata de una tecnología que data de fines del siglo XIX, mientras que los primeros lanzamientos comerciales de audio digital son de los años 70. Lo que no se puede poner en duda es que el audio analógico suena distinto al digital (se suele decir que es «más cálido») y que mucha gente lo prefiere. El audio digital tiene un estándar muy alto y, por ello, siempre suena más o menos igual: no hay diferencia entre un MP3 reproducido en dos dispositivos diferentes. El vinilo, en cambio, siempre suena distinto: basta cambiar la cápsula de un bandeja para descubrir sonidos que nunca antes se habían escuchado y tener la experiencia de escuchar viejos discos como si se lo hiciera por primera vez. En este sentido, escuchar un vinilo también es una aventura.

Indudablemente, la nostalgia es un factor de la resurrección del vinilo. Para los que tienen más de 35 se trata, también, de recuperar experiencias de la juventud: escuchar los discos de los padres o los propios en el equipo familiar, intercambiar discos con amigos, hacer mixtapes, sentir que un disco es algo que se tiene en la mano. Por esta razón, por moda, porque no valoramos lo que no nos cuesta, porque nos gusta más como suenan o, probablemente, por una combinación de todo esto, lo cierto es que los discos de vinilo están de vuelta y con ellos la experiencia de escuchar música recupera una dimensión que se estaba perdiendo.

Fuente: Rolling Stone

Divididos toca al aire libre el sábado 19 en Mandarine Park

El power trío rockero Divididos ofrecerá un recital al aire libre el sábado 19 en Mandarine Park (Costanera Norte y Sarmiento) a las 20.30, donde hará un repaso por su vasta discografía.

Conformada por el guitarrista y cantante Ricardo Mollo, el bajista Diego Arnedo y el baterista Catriel Ciavarella, la banda recreará sus clásicos e incluirá en el repertorio canciones de su último registro discográfico, «Amapola del 66».

«La Aplanadora del Rock» regresará a Costanera Norte tras el multitudinario recital con el que despidió, en diciembre, el 2013, mientras que planea registrar y publicar un nuevo disco de estudio, sucesor de «Amapola del 66», que salió en 2010.

Fuente: Telam

Damon Albarn y Noel Gallagher ¿juntos?

El líder de Blur dialogó con el ex Oasis para trabajar en conjunto.

Damon Albarn declaró que podría sacar un disco con Noel Gallagher, ex Oasis. El cantante manifestó durante una entrevista que existe “una gran posibilidad a futuro de trabajar juntos” y agregó que han hablado bastante de este deseo mutuo de unirse en un proyecto musical.

De todas formas, el líder de Blur aclaró que falta bastante tiempo para que esta posibilidad se concrete ya que cada uno se encuentra trabajando en sus propios proyectos. “Él está terminando su nuevo álbum. Yo, por mi parte, estoy sacando mi primer álbum solista”, sintetizó el músico que está a días del lanzamiento de Everyday Robots que se espera esté disponible para la venta a a partir del 29 de abril.

Recordemos que Albarn y Gallagher compartieron escenario durante el festival de Teenage Cancer Trust el año pasado. Veremos si finalmente se concreta este gran dúo que promete.

Fuente: Much

Pitbull presenta la canción oficial de la Copa Mundial FIFA 2014.

«We are one (Ole Ola)» cuenta con la colaboración de Jennifer López y Cláudia Leitte.
El tema formará parte del álbum oficial del campeonato deportivo, que saldrá a la venta el próximo 13 de mayo bajo el título «One love, one rhythm». La pre-venta ya está disponible en i-Tunes y permite la descarga instantánea de «We are one».

Otras de las figuras internacionales que fueron convocadas para grabar el disco son: Carlos Santana, Ricky Martin, Alexandre Pires, Shakira y Carlinhos Brown, entre muchos otros.

Fuente: CMTV

Todo listo para el show que dará el Indio Solari en Gualeguaychú

El Indio Solari desembarcará este sábado en la ciudad entrerriana de Gualeguaychú, donde presentará «Pajaritos, bravos muchachitos» en el marco de un concierto que cuenta con un gran operativo de tránsito y para el que esperan cerca de 200.000 personas de todo el país.

El operativo de tránisto comenzará a las 8 del sábado, y desde las 00 del sábado hasta las 8 estará vedado el ingreso de autos micros y combis con público del show a la ciudad.

Los organizadores del megaconcierto informaron que a los que lleguen entre las 0 y las 8 am del sábado se los hará esperar en los puestos de control de los Accesos Sur y Norte, y recomiendan que los automovilistas programen su salida de manera de llegar a Gualeguaychú entre las 9 y las 14.

La organización del concierto indicó que habrá dos accesos principales a la ciudad: Acceso Norte -por la ruta 20, exclusivo para autos, micros y combis hacia el Parque Unzué- y un Acceso Sur -por ruta 16 para micros y combis.

Por el Acceso Sur desde Buenos Aires cuando llegan al Km. 56 de la Ruta 14 ingresarán solo mircos y combis, mientras que los autos deberán continuar hasta el cruce con la Ruta 20.

Por el Acceso Sur ingresarán los vehículos -autos, micros y combis- provenientes del Norte y los autos que lleguen desde el sur.

Desde Buenos Aires recomiendan salir hacia Gualecguaychú entre las 8 y las 14, se calcula que el tiempo de viaje podría ser de hasta 5 horas y luego una hora en llegar hasta el Hipódromo, en tanto, desde el interior del país recomiendan llegar entre las 10 y las 16.

Las empresas de micros que lleven pasajeros a la terminal deberán tener un cartel que diga «clara y visiblemente: Pasajeros a terminal».

En el predio habrá tres boleterías oficiales de venta de venta de entradas y acreditaciones en los dos Aguantes y en el ingreso principal a partir de las 10.

El director de Tránsito de Gualeguaychú, Esteban Izaguirre, expresó a LT41 que esperan la llegada de «más de 1500 colectivos y más de 1000 combis» para el recital.

En tanto, el gobernador de Entre Ríos, Sergio Urribarri, manifestó que Solari «ya forma parte de la cultura nacional» y afirmó que «el hecho de que toque en la provincia es un evento popular de calidad extraordinaria que nos enaltece, nos beneficia y seguramente generará un movimiento económico muy importante».

En su debut en el Hipódromo de la ciudad, el artista nacido hace 65 años en Paraná, hará eje en su cuarto y más reciente trabajo, abordará temas de una intensa trayectoria en solitario y clásicos que compartió en su época junto a Los Redonditos de Ricota.

En sus 10 años de carrera solista, el Indio registró «El tesoro de los inocentes, de 2004; «Porco Rex», de 2007; y «El perfume de la tempestad», de 2010, y cada una de sus presentaciones es una fiesta multitudinaria como la de septiembre de 2013 que congregó a más de 120.000 personas en Mendoza.

Fuente: Telam

Megadeth festeja sus veinte años de shows en Argentina

A dos décadas de Youthanasia, el disco que los trajo por primera vez al país, la banda liderada por el colorado Mustaine se presentará el 29 de abril en Córdoba y 1 de mayo en el Malvinas.

Pasaron veinte años de su primera visita a la Argentina: en diciembre de 1994, en el marco de su gira de presentación del disco Youthanasia, Megadeth daba cinco shows consecutivos en el Estadio Obras Sanitarias. Era el comienzo de una relación duradera, un vínculo metalero pero también sentimental, amoroso. Con casi una decena de regresos a nuestras tierras, la banda liderada por Dave Mustaine festejará las dos décadas del origen de esta pasión recíproca con dos shows, durante los cuales tocarán temas de aquel sexto disco de estudio: el 29 de abril en la Plaza de la Música de Córdoba y 1 de mayo en el Estadio Malvinas Argentinas.

Las entradas para el show de Buenos Aires, desde 300 pesos, se pueden conseguir a través de Ticketek y los siguientes puntos de venta Locuras (Once, Flores, Belgrano y Morón), Volumen 4, Kanishka (Bond Street), Thor (Bond Street), Queelback (Lomas y Lanús), Xennon (Quilmes y La Plata), La Estaka (Quilmes) y Transylvania (Lanús). En el caso de Córdoba, se pueden comprar en Locuras, Oktubre Viajes, David Tattoo y Edén

Fuente: Rolling Stone.

Bersuit presenta su nuevo clip

Se trata del tema «Cuatro Vientos» que forma parte de su disco El baile interior.

Bersuit Vergarabat se muestra con «Cuatro Vientos». El material fue rodado en el Club San Fernando, bajo la dirección de Osky Frenkel y refleja distintas historias de vida relacionadas con la letra de la canción donde está presente la importancia de la familia y el origen de los sentimientos verdaderos.

La nueva placa, El baile interior, tiene 12 temas y fue producido por Cachorro López.

Fuente: TN

NUEVO ÁLBUM EN CONCIERTO DE DJAVAN.

El cantante, guitarrista y compositor brasileño Djavan es uno de los artistas más reconocidos de la rica música popular de su país, con innumerables éxitos a lo largo de una prolífica carrera que comenzó a construir a principios de los años 70, incluyendo canciones clásicas suyas que han sido grabadas por nombres de la talla de Caetano Veloso, Gal Costa, Maria Rita o Sergio Mendes (entre muchos otros).

Con 22 CDs y 4 DVDs editados, ha superado los 10 millones de unidades vendidas hasta la fecha, contando además con más de 20 temas propios que han sido utilizados en las muy populares novelas de TV Globo y siendo ganador de 2 premios GRAMMY (“Best Brazilian Song” por Acelerou y “Best Brazilian Popular Music Album” por Ária, en 2010).

Con el antecedente de que el último proyecto en vivo de Djavan para Sony Music ha vendido más de un millón de unidades, presentamos este nuevo álbum en concierto que se titula “Rua Dos Amores (Ao Vivo)” y ya está disponible en nuestro mercado en formato CD.

El tracklist incluye versiones insuperables de grandes clásicos de su cancionero, como “Flor de Lis”, “Oceano”, “Samurai”, “Meu Bem Querer” o “Sina”, junto a un bonus track inédito (grabado en estudio), y primer single de este nuevo álbum en vivo, titulado “Maledeto”. Una especie de verdadero “grandes éxitos” de Djavan en concierto, que también nos trae versiones de dos de los tracks que fueron parte de su celebrado último álbum de estudio –que le da nombre a este disco en directo–, “Rua Dos Amores”.

Grabado los días 8 y 9 de noviembre de 2013 en el imponente HSBC Sao Paulo como parte de la gira que lo trajo en enero del mismo año a la Argentina, también fue registrado en formato audiovisual, dirigido por el prestigioso Hugo Prata (Lenine, Ivete Sangalo, Jota Quest, Os Mutantes).

El tour marcó un gran acontecimiento, no solo por el insuperable setlist con sus hits, sino porque volvió a reunir a la que es considerada su mejor banda, con la que Djavan no había tocado por más de 15 años. Músicos de excelente nivel técnico y una sensibilidad tan afín a la del creador nacido en Maceió: Carlos Bala (batería), Glauton Campello (piano, teclado y voces), Jessé Sadoc (flügelhorn, trompeta y voces), Marcelo Mariano (bajo y voces), Marcelo Martins (flauta, saxos y voces), Paulo Calasans (piano y teclados) y Max Viana (guitarras eléctricas y acústicas).

Para todos ellos, re-encontrarse con Djavan significa tocar y ser tocado por la sensibilidad musical única, el talento y la generosidad de un artista distinto, que siente lo mismo y comenta: «Todos están más maduros, inclusive yo. Me di cuenta al instante de que la gira sería deslumbrante».

El resultado de su interacción es una creación colectiva de un atmósfera musical envolvente, repleta de matices, timbres y arreglos que coquetean con el jazz, el soul, el blues, el funk y el samba.

Esa es el alma de “Rua Dos amores (Ao Vivo)”, una recopilación sensible de un artista con una firma única y un pacto definitivo con la belleza, un grande de la MPB como es el exquisito Djavan, cuyo estilo le permite ser popular y sofisticado al mismo tiempo.

Al final Metallica no saca disco hasta 2015

En los primeros días de 2014, Kirk Hammet confirmó que la banda trabaja en un nuevo disco. Ahora, Lars Ulrich enfrío la cosa.

Lars Ulrich enfrío las expectativas de los fanáticos de Metallica.
A pesar de que el guitarrista Kirk Hammett dijo en enero que ya se les habían acabado las excusas para no ponerse a trabajar en su nuevo disco de estudio, ahora el baterista Lars Ulrich enfrío las expectativas de los fanáticos de Metallica.

«Tenemos buenas ideas. Nuestro problema no son las ideas, sino el tiempo. Estamos más ocupados que nunca y los días se hacen muy cortos», dijo Ulrich. «Esperamos terminar de componer este año. El próximo año grabaríamos y lo más seguro es que el nuevo disco se estrene en 2015».

Hace una semana, Metalica pasó con dos shows arrasadors por el Estadio Único de La Plata. Durante la gira por el lado latino del continente, la banda publicó una nueva canción «The Lords of Summer». Además, se publicó su participación en el disco This is Your Life en homenaje a Ronnie James Dio.

En sus declaraciones en enero, Hammett afirmó: «Hemos utilizado todo tipo de excusas para no ponernos a trabajar en un nuevo disco. Pero eso ya se ha acabado y tenemos que ponernos manos a la obra ya. Tenemos demasiadas ideas. James tiene como 800 ideas y yo tengo 400. Estos números son muy locos. ¡Es formidable!», había asegurado el guiarrista. Por ahora, a seguir esperando.

Fuente:TN

Seguí en vivo el show de Los Cafres

La banda está festejando sus 25 años de carrera con un show el viernes en el Teatro Ópera. Lo vas a poder disfrutar en TN.com.ar desde las 21Hs.

Los Cafres es un emblema del reggae roots. Con sus canciones, el grupo recorrió los principales escenarios del país y de Latinoamérica. Este viernes vas a poder disfrutar en TN.com.ar del show que el grupo dará en el Teatro Ópera. Un repasó por lo mejor de sus trabajos.

Como parte de los festejos de sus 25 años, la banda publicó todos sus discos de estudio (Frecuencia Cafre, Instinto, Suena La Alarma, Espejitos, Quién Da Más, Hombre Simple / Barrilete y El Paso Gigante) en formato vinilo de 180 gramos

Fuente: TN.

Con Duff McKagan, los Guns N´ Roses tocaron en Ferro

Con la sorpresa del regreso del bajista original, la banda liderada por Axl volvió al país

GaleríaFotos de Segismundo Trivero
¿Qué podía traer de nuevo Guns N’ Roses durante su quinta visita al país? Realmente no demasiado, con un último y dilatadísimo disco editado hace casi seis años -Chinese Democracy, de 2008- y escasa evidencia de que la banda se encuentre trabajando en nuevo material. Todo parecía indicar que el setlist de esta nueva gira latinoamericana redundaría en lo mismo de siempre, casi como si Axl Rose se encontrara encerrado en el laberinto de espejos que él mismo se encargó de construir.

Sin embargo, el «regreso» de Duff McKagan como bajista de la banda agregó un condimento nuevo al cóctel de nostalgia: Buenos Aires, la ciudad que los había visto compartir un show completo por última vez, en 1993, sería testigo privilegiado de la reunión en escena. Y así fue, porque el público que colmó anoche el estadio de Ferro se topó con la añoranza de esos viejos tiempos que seguramente ya no volverán, pero también con una banda sólida que, a lo largo de tres horas, se dedicó exclusivamente a tocar rockanrol.

La espera no se extendió más de lo necesario. Eran exactamente las 22 cuando las luces se apagaron y comenzó a sonar «Far From Any Road», el tema de la serie True Detective que eligieron para abrir sus shows durante este tour. Luego, el ataque de guitarras de «Chinese Democracy» y, a continuación, una seguidilla de canciones que puso en tema a los presentes de inmediato: «Welcome to the Jungle», «It’s So Easy» y «Mr. Brownstone». Con esta implacable dosis de Apettite for Destruction, Rose asentó que sigue siendo un frontman carismático y McKagan fue encontrando su lugar en una banda que ya no es pero, a la vez, sigue siendo.

En ese sentido, muchos en el público temieron cuando el cantante convocó a un traductor -¿cómo olvidar el famoso toallero que cayó sobre el escenario de River, en 1992, y puso en peligro la continuidad del show?-, pero más que una amenaza se trató de un pedido: «Por favor, todos den un paso atrás. No queremos que nadie se lastime», solicitó a propósito del pogo desatado junto a la valla de contención. El que usó Rose fue un tono amable, más cercano al de un padre canchero que al de un adolescente de conducta imprevisible. Pero para ser justos podríamos decir que el tiempo ha pasado para todos, y que eso se evidenció especialmente en la cantidad de fanáticos que iban acompañados de sus hijos para ver el show de la alguna vez autoproclamada «banda más peligrosa del planeta».

«Estranged» puso a prueba la capacidad vocal del cantante, que salió airoso; siguió «Rocket Queen» y una mirada al pasado más lejano con «Nice Boys», ese cover de Rose Tatoo que fue incluido en el primer trabajo de Guns N’ Roses, el EP Live?! Like a Suicide. «Tommy Stinson no podía acompañarnos así que tuvimos que buscamos un chico nuevo para que lo reemplazara», bromeó Rose para presentar a McKagan, que le sacó filo a su espíritu punk con dos de los covers de The Spaghetti Incident?: «Attitude», de los Misfits, y «Raw Power», el clásico de Iggy & The Stooges que nunca había sido interpretado en vivo.

El regreso del cantante a escena fue con otra canción que nunca habían tocado por estas tierras: la perturbadoramente tierna «My Michelle». Luego siguió un bloque que fue de Chinese… («Better», «This I love», «Catcher in the Rye») a clásicos mucho más festejados por el público (su versión de «Live & Let Die», «You Could be Mine»). Promediando el show quedó claro que Rose, con 52 encima, sigue manteniendo el encanto en la voz, aún cuando parece encontrarse mucho más cómodo vocalizando graves que masticando gritos. Eso se notó especialmente en «Sweet Child O’mine» y, más tarde, en «November Rain», que sonó particularmente descolorida en esta oportunidad.

Es notable el esfuerzo que hacen los guitarristas Richard Fortus, «Bumblefoot» Thal y DJ Ashba por espantar el fantasma de Slash, pero resulta imposible cuando entre los tres parecen haberse repartido los solos que alguna vez fueron propiedad privada de aquella Gibson Les Paul. Más allá de las odiosas comparaciones, cada uno tuvo su momento de lucimiento durante los jams propuestos a lo largo del setlist, demostrando que llevan un largo trecho recorrido dentro de la banda y que son algo más que reemplazos.

La emotividad regresó a Ferro con «Don’t Cry», con ese golpe al recuerdo que resulta ser «Used to Love Her» y con «Civil War», una canción que fue injustamente ignorada por Rose por muchos años y que hoy recobra nuevos sentidos pacifistas que pueden gritarse a viva voz. Sobre el final llegó «Nightrain» como para ponerle un poco de ritmo y reviente a la falsa despedida, tras una desganada interpretación de «Knockin’ on Heaven’s Door».

Para los bises quedaron «Patience», una gran versión de la canción de The Who, «The Seeker» y, claro, «Paradise City», el himno que encuadra perfecto con casi cualquier ciudad del mundo que puedan visitar. Luego de tres horas de intenso show, devino el abrazo, el agradecimiento y la promesa de volver. Y así, entre fuegos artificiales, humo y miles de papelitos rojos volando, Guns N’ Roses desplegó de pronto toda su parafernalia de banda de estadios, tan lejos de ese grupo de «forajidos» que surgieron de la escena glam de Los Angeles de mediados de los 80, pero a la vez tan cerca de un público que delira cada vez que Rose los invita a internarse en el laberinto de espejos que supo construir

Fuente: Rolling Stone.

Pharrell Williams – Girl

El 2013 fue el año de Pharrell. Claro que ha estado presente en los charts pop por más de una década, componiendo beats y hits para todos, desde Snoop Dogg y Jay-Z hasta Justin Timberlake y Britney Spears. Pero el año pasado, coronó su transición a estrella central con «Get Lucky» de Daft Punk y «Blurred Lines» de Robin Thicke, dos megahits conducidos por la desenfadada petulancia y el estilo funk granjero de Pharrell. La música pop se puede tornar muy dominante y demasiado seria en la era de Drake, Kanye y Lorde. En comparación, los discos de Pharrell son como el enorme sombrero que usó para la entrega de los Grammy y para los Oscar.

A pesar de haber sido ridículamente consistente en sus papeles secundarios, nunca tuvo demasiado éxito en su papel protagónico: proyectos como N.E.R.D., la banda de rap-rock de principios del 2000 que lideraba con su amigo de The Neptunes Chad Hugo, y su álbum solista del 2006, In My Mind, pasaron sin pena ni gloria. La mala suerte acaba con el segundo álbum de Pharrell. Girl es un disco simple y ligero, y esto es definitivamente un cumplido. Todos los artistas pop le deben un favor, pero las actuaciones especiales son pocas y los favores se devolvieron fácilmente: está «Brand New», la fantasía disco que hizo con Justin Timberlake; y los Daft Punk, que a puro vocoder apuntalan el groove astral de «Gust of Wind». La música está muy poco recargada al igual que la lista de temas, y lo que marca el rumbo del álbum es la eufórica vibra que Pharrell despliega en «Happy», el éxito del álbum que alcanzó el Número Uno en las listas. La única condición para entrar en este club es admitir la propia alegría.

Las diez canciones de Girl están sumidas en sol, aire, y en los compases más naturales y universales del R&B de los 70 y 80. Los beats jugosos están llenos de batidas de palmas y falsetes sexuales; finalmente lo que expide el álbum tiene menos que ver con un champagne de 300 dólares en el VIP de una disco y más con una cerveza de litro en las escaleras de un edificio en verano. Mientras que Jay-Z habla maravillas de sus Basquiats y Kanye presume sobre Le Corbusier, Pharrell planta su bandera en el apestoso suelo de la cultura pop norteamericana de la forma más tonta: «[El reality] Duck Dynasty está bueno, sí/ Pero no entienden nada acerca de las demandas de una mujer», bromea en la elegantemente necia «Hunter», una explosión de payasadas montadas sobre una base disco.

Cuando Pharrell irrumpió en escena a escala masiva por primera vez hace quince años con los cortes geniales de The Neptunes, como la canción «Shake Ya Ass», de Mystikal, su beat experto era sucio y sureño. Ultimamente, Pharrell ha estado sacando beats de una paleta más amplia y suavizada: «Hunter» evoca a la sofisticada banda new wave Kid Creole and the Coconuts, y las brillantes cuerdas y el teclado jazzístico en «Gush» podrían acalorar al Quincy Jones de 1979.

Girl suena como un álbum conceptual; el concepto sería que a Pharrell le gustan mucho las chicas. Pero hay que reconocer que nunca es agresivo o bruto al respecto. En el primer tema del disco, «Marilyn Monroe», Pharrell menciona a Juana de Arco como una pionera gangsta y poderosa en su canon histórico de chicas hot. Y la canción más encantadora del disco, «Lost Queen», es un doo-wop con algunos elementos de mbube africano maravillosamente cantada con un sentimiento precioso y generoso: «Aunque mi mundo esté lleno de guerras, vos hacés que parezca un sueño». En tiempos como éstos, es lindo ver triunfar a un buen tipo

Fuente: Rolling Stone.

Axl Rose vuelve a la Argentina, esta vez, acompañado de Duff McKagan

Guns N’ Roses toca en el estadio Ferro el domingo 6 de abril, con la inclusión del histórico bajista de la banda.

Axl Rose vuelve con su versión de Guns N’ Roses a la Argentina. Su última visita había sido al Estadio Único de La Plata en 2011 para presentar Chinese Democracy un disco ideado por Axl que llevó muchos años lograr y que significó la vuelta al ruedo del cantante luego de décadas de ausencia, el último disco de la banda antes de separarse había sido The Spaghetti Incident? (1993).

La banda se encuentra en medio de su gira sudamericana que los traerá el próximo domingo al estadio de Ferro para presentar todos sus éxitos y, claro, temas de su último trabajo publicado en 2008.

Una de las particularidades de esta visita es el regreso de Duff McKagan, bajista original y escritor de algunos de las canciones del grupo, que volverá a hacerse cargo de las cuatro cuerdas.

En 1994, McKagan, el carismático guitarrista Slash y Matt Sorum fueron expulsados de los Guns por Axl Rose y luego de trabajar en diferentes proyectos se unieron para conformar Velvet Revolver, con Scott Weiland como cantante.

Después de años de peleas, cruces judiciales, Axl y Duff parecen haber depuesto sus divergencias y el rubio volverá al bajo al menos en el show de este domingo.

El tour comenzó con su presentación el 16 de marzo en el Festival Hell and Heaven Metal, en la capital mexicana, siguió la gira por las ciudades brasileñas de Río de Janeiro, Belo Horizonte, Brasilia, San Pablo, Curitiba, Florianópolis y Porto Alegre.

De la formación original solo permanece el cantante Axl Rose, quien está acompañado por los guitarristas DJ Ashba, Ron «Bumblefoot» Thal, Richard Fortus, el pianista Dizzy Reed, el bajista Tommy Stinson, el tecladista Chris Pitman y el baterista Frank Ferrer.

En sus comienzos, los Guns se impusieron en el mundo y particularmente en Argentina, a partir de su mezcla de heavy, hard y punk rock que volcaron en grandes discos como Appetite For Destruction y Use Your ilusion I y II e inolvidables canciones como «Sweet Child o Mind» y «November Rain», entre muchas otras.

Después de la disolución de la banda, que implicó un punto final en la relación con los otros miembros originales, Slash y Duff McKagan, Axl se hizo esperar 10 años para lanzar Chinese Democracy, que sin el respaldo de una compañía grabó a un costo de 25 millones de dólares.

En la Argentina, Guns N` Roses son casi una leyenda. En el apogeo de su carrera y en el momento de mayor popularidad, la banda llenó dos estadios de River.

Fuente: TN
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Taylor Hawkins sobre su composición con Dave Grohl: «Es como David Bowie conociendo a Queen»

El baterista de Foo Fighters lanza disco debut con su banda The Birds Of Satan.

INSEPARABLES. Dave Grohl y Taylor Hawkins mantienen una relación de amistad.

El baterista de los Foo Fighters, Taylor Hawkins, tiene un proyecto paralelo llamado The Birds of Satan que está a punto de lanzar disco debut el 15 de abril, según su canal de YouTube.

Durante una entrevista con NME, contó que Dave Grohl lo ayudó a componer varias de las canciones del disco debut y que también tocó la batería en algunas canciones.

«Dave solo estuvo ahí por dos días, pero en ese tiempo le dije que quería escribir una canción que sea un fandango prog-rock con partes de locura por todos lados», relató Hawkins. «Él contestó que quería que sonara a ‘March of the Black Queen’ de Queen mezclado con ‘Station to Station’ de Bowie, mezclado con ‘Band on the Run’ (Paul McCartney), con ‘Three Days’ de Jane’s Addiction. Porque, ¿a quién le importa?. Y lo hicimos en un día».

Las canciones que Grohl audó a componer son «The Ballad of the Birds of Satan», «Raspberries» y «Wait Til Tomorrow», mientras que el guitarrista de los Foo Fighters, Pat Smear ayudó en la canción «Too Far Gone To See»

Fuente: TN.

Kurt Cobain, «¿por qué demonios no te has quedado?»

«¿Por qué demonios no te has quedado?», gritó Courtney Love en el homenaje celebrado tras la muerte de su marido, el ya mítico Kurt Cobain, un hecho que golpeó al mundo de la música hace 20 años y que sigue planteando entre muchos de sus admiradores esa misma cuestión.

Con motivo del aniversario de su fallecimiento, que se cumple mañana, son varias las iniciativas que intentan honrar con más o menos suerte la vida y obra de quien está considerado un icono y figura imprescindible de la música de los años 90 como gran adalid del «grunge» y del sentimiento desesperado de la «generación X».

Entre las más interesantes, se encuentra «Kurt Cobain. La historia de Nirvana», obra exhaustiva escrita por la periodista musical Carrie Borzillo, quien, a fin de separar fantasía y realidad, contó con testimonios de 55 personas y numerosos documentos oficiales, incluidos el informe de la autopsia y el certificado de su controvertida defunción.

«Kurt Cobain, de 27 años, se atrinchera en el invernado de su casa. Atranca la puerta con un taburete, escribe una nota en tinta roja (…). Tras consumir 1,52 miligramos de heroína, se apunta con el cañón de la escopeta en la cabeza y acciona el gatillo», reza la entrada escrita por Borzillo para el 5 de abril de 1994, zanjando la polémica sobre si su muerte fue un suicidio o un asesinato.

Redactado como un exhaustivo diario de viaje, se recorre la historia del malogrado artista y, en paralelo, la de Nirvana, desde el momento en que nacen sus protagonistas hasta unos días después de lo que parecía la crónica de una muerte anunciada, a tenor de esta obra editada en España por Libros Cúpula.

En ella se cuenta cómo con siete años Cobain era medicado para frenar su hiperactividad, pero como el producto le provocaba el efecto contrario, lo contrarrestaban con sedantes. Aquejado toda su vida de varios problemas de salud, llegó a automedicarse con heroína. La primera vez que la probó fue con 18 años.

El divorcio de sus padres, en 1975, fue determinante en la configuración de su personalidad, un hecho a partir del cual, según declaró él mismo, se convertiría en alguien «extremadamente depresivo e insociable».

En la familia había antecedentes de sobra. En 1979, dos tíos abuelos suyos se suicidaron disparándose con un arma. Incluso parece que su abuelo lo intentó y que murió por las heridas que se había causado.

Por si fuera poco, se relata también que, de adolescente, presenció una pelea en casa de su madre que esta zanjó apuntando a su segundo esposo con una pistola. A continuación, se cuenta que tiró todas las armas de su marido al río y que Kurt las recuperó para comprarse su primer amplificador para la guitarra.

Cobain, que vivió varias noches literalmente bajo un puente siendo un chaval, tras encontrarse con el rechazo e incomprensión de sus padres, conoció a Chris Novoselic, quien le propone formar un grupo después de escuchar sus composiciones. En 1988, se les unió Chad Channing como batería y tomaron el nombre de Nirvana, destacando por un sonido distintivo, sucio y original.

Ese mismo año publicaron su primer single, «Love buzz», con Sub Pop, el sello que, también de acuerdo con Borzillo, acuñó el término «grunge» en 1987. Con ellos lanzaron en 1989 su primer disco, «Bleach». Cobain diría que en ese álbum había gritado mucho y que sonaba «unidimensional», pues todas las canciones eran «lentas y cutres».

Le siguió «Nevermind» (1991), con unas previsiones de venta de 50.000 unidades, irrisorias en comparación con el terremoto que desató y los 30 millones de copias que se despacharon en todo el mundo, capaces de desalojar incluso a Michael Jackson del número 1.

Dave Grohl ya había sustituido por aquel entonces a Channing, a tiempo para vivir los tiempos gloriosos de Nirvana, que pasaron de las pequeñas salas a festivales con más de 70.000 personas a las que Cobain y compañía dieron himnos con los que expresar su desazón generacional, véase «Come as you are».

Fue también entonces cuando comenzó su tormentosa relación con Courtney Love, madre de su hija, y cuando extremó el consumo de drogas, desencadenando completamente su decadencia.

Hasta su muerte, el grupo aún tuvo tiempo de lanzar el disco de rarezas «Incesticide» (1992), el álbum de estudio «In Utero» (1993) y el acústico por antonomasia «MTV Unplugged in New York» (1994).

No todos los recuerdos póstumos de Cobain parecen tan acertados. Tras la polémica inauguración en su ciudad natal de Aberdeen de una escultura que reproduce su figura entre lágrimas, Love acaba de anunciar que estudia la posible realización de un musical.

Rara forma la que ha tenido la viuda de Cobain de seguir el consejo de la nota de suicidio: «Sigue adelante, Courtney». Para hacerse una idea más exacta de lo que pensaba el cantante en el momento de su muerte, mejor quedarse con las líneas previas.

«Estoy bien. Muy bien. Y doy gracias. Pero desde los 7 años fue creciendo mi odio hacia la especia humana en general. A la gente le parece fácil entenderse y mostrar empatía. ¡Empatía! Solo porque amo demasiado. (…) Soy demasiado errático y lunático y ya no me queda pasión. Recordad: es mejor quemarse que apagarse lentamente. Paz, amor, empatía. Kurt Cobain».

Fuente: Yahoo

HARRY STYLES ALEJADO DE SUS COMPAÑEROS

El cantante no tiene mucha relación con sus compañeros de grupo.

Aunque los cinco componentes del quinteto siempre han presumido de la estrecha amistad que existe entre ellos, en los últimos meses Harry Styles ha pasado tanto tiempo en Estados Unidos cultivando la relación que mantiene con su amiga Kendall Jenner -hermana de Kim Kardashian-, que sus compañeros ya han empezado a pensar que se ha «alejado» irremediablemente de ellos y de los compromisos profesionales de la banda.

«Harry ya no se involucra en todo lo relacionado con el grupo de la misma forma en que lo hacía antes, quizá porque parece que en la actualidad tiene otras prioridades. Teniendo en cuenta que el año pasado los cinco pasaban casi todo el día juntos preparando al detalle su gira mundial, sorprende que ahora solo puedan ver a Harry muy de vez en cuando, cuando no le queda más remedio que presentarse en los ensayos. Con el tiempo, Harry se ha convertido en una especie de extraño para el resto y parece estar alejándose de la banda en todos los sentidos», reveló una fuente al diario Daily Star.

La distancia que el cantante parece haber puesto con sus compañeros -Niall Horan, Zayn Malik, Louis Tomlinson y Liam Payne- ha generado una gran preocupación en todo el entorno de One Direction, hasta el punto de que el resto ya no descarta que, en un futuro cercano, Harry pueda anunciar que se marcha del grupo para lanzar su propia carrera en solitario.